Arte y Psicoanálisis

Frida Kahlo, su vida, su obra, su sufrimiento han sido motivo de diversas reflexiones.
El desarrollo que se hará en este trabajo tiene como eje los siguientes puntos:
-La identificación en sus distintos registros: simbólico e imaginario.
-La insistencia de un rasgo literal. Rasgo Unario.
-El recorte que dicho rasgo realiza de una parte del cuerpo.

¿Qué es tener un cuerpo? Si decir “cuerpo” en psicoanálisis es sinónimo de registro de lo imaginario, llamarlo así, no clausura la cuestión como “ya sabida”. Por el contrario, la experiencia psicoanalítica devela un cuerpo que violenta nuestra intuición y las ideas consagradas por otros discursos en la cultura (y que nos habitan a todos). Entonces, voy a abordar esta pregunta por dos extremos opuestos de la clínica: el cuerpo y el desencadenamiento psicótico, por un lado y el cuerpo, cuando funciona la interpretación analítica en el campo de las neurosis, por el otro. Para ello me serviré del trabajo de Lacan sobre la obra de dos artistas: Marguerite Duras y Joyce.

Según las palabras del crítico musical Schonberg, Chopin no pecaba de falsa modestia acerca de sí mismo ni de su obra. En 1831 escribió acerca de su “deseo quizá demasiado audaz, pero noble, de crear para mí mismo un nuevo mundo”. Y lo logró. Chopin llegó a crear un estilo pianístico que dominó la segunda mitad del siglo XIX, era un estilo que marcaba una fuerte diferencia con todo lo que se había conocido antes. Convirtió al piano en un instrumento total, en un instrumento que cantaba, que poseía color, belleza, poesía e infinitas sonoridades. Con Chopin, el piano llegó a ser un instrumento imponente y al mismo tiempo íntimo y sentimental.

En el marco de este seminario acerca de la función del analista, e intentando precisar las coordenadas de nuestras intervenciones, consideré oportuno introducir un dilema: el del silencio en la resonancia de nuestro acto analítico, ya que me parece una vía apropiada para pensar justamente este vector ético que es el vector del bien-decir. Vía entonces de dos bordes el silencio y la resonancia.

Beckett construye con la ausencia, una ausencia que no busca su resolución en ninguna presencia, sino que es en sí misma lo que causa y posibilita la escritura. Es una ausencia que produce. Es lo que no llega lo que se valora, se destaca. Lo que eso suscita y habilita, es lo que le permite a Beckett hablar de la ausencia multiplicadora. Ausencia no fundada en el ocultamiento de lo que se sabe, sino en el reconocimiento de la limitación de lo que no se sabe.

En el jazz, ocurre una tensión entre lo unificante y lo disgregante, ambas convocan al cuerpo, pero no de la misma manera: lo disgregante es previo y fundamental, es lo disruptivo creacionista, es lo que rompe con el Todo, y abre a lo nuevo imprevisto. La incertidumbre en lo que adviene, uno de los matices del jazz, posibilidad de su creación. Lo que se inventa del lado de no-todo como pedacitos de saber sobre lo real.

Musicalmente el Barroco comienza a finales del S. XVI, y para su conclusión se ha tomado como referencia habitual el año de la muerte de uno de sus compositores más representativos: J. S. Bach, quien fallece en 1750. La música barroca es de característica delimitada y definida. Se considera al barroco como un arte suntuoso y a la vez dramático, de estilo recargado, complejo, pero ordenado. Se suele considerar que el arte barroco es la expresión de un estado de ánimo pesimista.

Entre lo que es natural y cultural no hay progreso, no hay una evolución de lo genético al lenguaje, para Agamben hay un fenómeno de resonancia que produce la actualización, y esto no es sin infancia, que transforma la “pura lengua prebabélica” en discurso humano. Remarcar esto indica el límite en que opera todo lazo social, pues si bien en lazo social es un hecho de discurso, lo que le da vida no es el discurso si no lo que resuena en la infancia, y en esta dimensión el arte se resiste a hacer discurso, pero a la vez es el motor más importante para generar lazo social, la música es el exponente más claro de ese límite, pues lo que resuena, lo que prevalece, –esto no es sin el recupero de la dimensión de la experiencia–, le da a la repetición otro estatuto. En nuestro país se han hecho frases coaguladas de las repeticiones nefastas, de lo no-dicho, de lo corrompido, es más, de lo no enterrado, lo desaparecido. Hecho significativo que las Abuelas sigan recuperando e insistiendo en restituir algo de la infancia perdida para dignificarla.

Ella configura de su semblante un icono, manteniendo el misterio que oculta y devela la tragedia no sólo de su vida sino la de su pueblo sin desentrañar el arcano de su sentido. Diego Rivera le había sugerido: “Tu voluntad tiene que llevarte a tu propia expresión”. Que ella, qué duda cabe, ejecuta.

Debo decir que el encuentro fue de sopetón, de sorpresa. No había querido asistir al best seller cómico, originalmente presentado en un teatro, y del que todo el mundo hablaba maravillas. Sentía esa resistencia que en ocasiones el sujeto percibe cuando divisa cierta masificación en la que impera el consumo generalizado y que pone – potencialmente – en peligro las modulaciones que permiten la subjetivación del deseo. Ahora (retroactivamente), hay que aceptarlo, puedo catalogarlo como “un buen encuentro”.