Cine y Psicoanálisis

Cuando hacemos referencia a un acto singular, estamos frente a un nuevo nacimiento del sujeto, la existencia en lugar de la subsistencia. Es ese acto no esperable, creativo que revela al sujeto como sujeto atravesado por ese plus que lo excede y que a la vez permite la reorganización del universo existente, transformándolo en particular, permitiendo que la singularidad quede contenida en un nuevo universal.
En esta película el acto singular no se da de una vez y para siempre, analizando el personaje de Tom (Nick Nolte), podemos ver situaciones, respuestas y acontecimientos que muestran un plus hasta el final.

La histérica está enferma del hombre. Gabriela Acher en uno de sus libros la retrata: “ si no estoy enamorada, me aburro”, “¿por qué será que con tal de enamorarme a cualquier sapo lo transformo en príncipe?”. Es una manera simpática de decir que inventa al hombre y lo eleva a amo. El hombre es el significante amo en la histeria. El padre, el primero de todos los hombres, es el amo mismo por excelencia. Muchas veces cuando las histéricas se separan, si no hay algún hombre que encarne el significante Uno, cuando falta la encarnación del UNO, aparecen síntomas.

“Plan 9 del espacio sideral” es considerada la peor película en la historia del cine. Escrita, producida y dirigida por Edward D. Wood, Jr., fue realizada en blanco y negro en el año 1959. Es tal el descuido del director por los índices de realidad, tan elocuente la pobreza de las imágenes, que la película no genera la impresión de realidad que captura al espectador. Fracasa rotundamente en la medida que no logra alimentar suficientemente lo imaginario

La historia comienza en el presente, en la primera escena una madre siciliana intenta ubicar a su hijo (Salvatore/Toto), quien ha abandonado el pueblo hace muchos años, para comunicarle la muerte de Alfredo, el proyeccionista del cine, quien supo ser como un padre para el protagonista. Antes de llamar se produce un breve diálogo entre la madre y la hermana del protagonista”: Mamá es una llamada inútil. no se acordará. Ya hace treinta años que no viene aquí “, a lo que la madre responde “Se acordará, se acordará. Estoy segura, lo conozco mejor que tu.”

“No me olvides” es una película –a mi juicio- fácil de ver pero no tan fácil de analizar. Su protagonista es una joven exitosa que ha sabido ganarse un lugar en la gran ciudad y ha conseguido, así, olvidarse de su terrunio natal. Aquella tierra que otrora la viera nacer y crecer en su seno, ahora ha sido arrumbada como un simple trasto viejo. Y junto a ella también fueron arrinconadas las personas y los afectos a l modo de una herida... mal cerrada.
Un episodio aparentemente festivo hará reverdecer el pasado en letargo (de ninguna manera muerto): una boda.

La película que nos ocupa está muy lejos de poder ser considerada una "escritura femenina"; podrá ser vista a lo sumo, como un manifiesto feminista. Pero su mensaje es claro, transparente, goza de una divalencia traslúcida que no deja en la oscuridad al contenido. Y hablo de "divalencia" porque es muy nítido que "los malos son malísimos" y "los buenos son buenísimos".

: No ser nada para otros, o al menos ser menos de lo que se creía... Nada más cercano a la sensación de muerte que la merma del propio ser... para otro. La mirada del otro tiene rostro de significante.

La obra parece pensada a modo de telenovela: un telón abre el primer acto y biunívocamente los personajes se van mezclando con sus nombres para que se entienda, de entrada, que al finalizar la obra se abrirá un nuevo capítulo que el mismo espectador podrá elaborar a piaccere. Pero la poesía, la dinámica, la mística incluso; los pasteles y los personajes, no son de un simple melodrama mediático. Entramos, sin lugar a dudas y casi sin darnos cuenta, a un universo mágico.

Virgilio es ciego desde muy pequeño. Amy no había reparado de su ceguera, pero esto no fue impedimento para comenzar una relación.
¿Qué sucede detrás de una mirada? ¿Cómo salir de qué intrincado laberinto de las relaciones humanas? De los laberintos, dice Borges, se sale por arriba.

Planteado el dilema ético de la incorporación del sonido al cine, Carlitos Chaplin, que había dominado el panorama de la comedia burlesca de Estados Unidos durante el período mudo, tuvo una posición singular con respecto a la novedad.
Además de considerarlo un atentado contra su arte mímico, lo juzgó como una barrera en sus procesos creativos.
En el film “Tiempos Modernos” de 1936, incluye por primera vez su voz en la banda sonora, en la que interpreta una canción popular cuya letra fue reemplazada por neologismos, que sugerían la superficialidad del habla.